deep drone dreamer introduced themselves and their album there’s no wifi in the barn in November 2024. I asked after if they’d be willing to interview with Korean Indie because they are artists within the ambient, drone, and experimental genre and it’s not often I can get a better understanding of how they create and compose. So enjoy this interview with d³.
deep drone dreamer is Iver Kim and Joon Pyo.
Can you introduce yourselves?
We’re d³ (deep drone dreamer). A music duo.
Joon: John Fahey‘s music, Sammuel Beckett‘s writings, Chantal Akerman‘ films, Jean Cocteau‘s drawings, Aldo Rossi‘s built works, Dennis Hopper‘s photography holds dear to me the most.
Iver: Schönberg‘s “Verklärte Nacht,” Eliane Radigue, David Lynch, Jean Cocteau, Søren Kierkegaard, Hilma Af Klint, Odilon Redon.
What’s the origin story of deep drone dreamer? According to your bio, Iver is in the Netherlands and Joon is in South Korea. How did the group start?
Iver: Joon and I are both from the same university, Korea National University of Arts. I majored in Fine Art, and Joon is studying Architecture. From the beginning of our friendship, we realized we shared a similar sensibility – a natural alignment in our visual and musical tastes.
We started sharing ideas more and more, and it felt inevitable that we should create something together. That’s how our collective came to be. Although we started as a duo in Seoul, I am currently pursuing a master’s degree in the Netherlands, so we now work across two bases: the Netherlands and Seoul.
이베: 준과 나는 같은 대학(한국예술종합학교) 출신이다. 나는 조형예술을, 준은 건축을 전공했는데, 처음 만났을 때부터 비슷한 시각적, 음악적 취향과 결을 공유하고 있다는 것을 알게 되었다. 자연스럽게 서로의 작업과 아이디어를 자주 나누기 시작했고, 함께 무언가를 창작해야겠다는 생각이 들었다. 그렇게 우리는 콜렉티브를 결성하게 되었다. 서울에서 시작된 듀오지만, 현재 나는 네덜란드에서 석사 과정을 밟고 있어 네덜란드와 서울 두 곳을 베이스로 활동하고 있다.
Genre tags like ambient, drone, and experimental have a very vague and grey presentation for a new listener. You also specify that deep drone dreamer is an “audiovisual-ambient duo” lending to the idea that there’s a full sensory experience required. But for someone new, how would you introduce the duo?
Iver & Joon: We see ambient and drone as passive experiences that edify the listener to be aware of the vibrations that surround the body. Thus transforming each individual into an active observer rather than defining the line between music, sound, and noise.
From then on, the experience of sensation itself becomes uniquely one’s own, in a sort of “art of interpretation” way. That’s why we describe ourselves as a collective “aiming to create uncompromising yet introspective music[visual] for music[visual] decomposers”
Iver & Joon : 엠비언트나 드론은 집중하도록 강요되는 소리에서 우리가 평소에 잘 집중하지 않는 소리에 귀 기울이는, 나 자신이 주체적 리스너가 되는 장르라고 생각한다. 따라서 음악, 소리, 소음 사이의 경계를 정의하기보다는 각 개인을 능동적인 관찰자로 변화시킨다. 이때부터 감각의 경험 자체가 일종의 ‘해석의 예술’로서 자신만의 고유한 것이 된다. 그러므로 우리는 우리를 “음악[비주얼] 해체자들을 위해 타협하지 않으면서도 성찰적인 음악[비주얼]을 만드는 것을 목표로 하는” 콜렉티브라고 칭한다.
there’s no wifi in the barn was built on field recordings and supplemented with “improvised noise” and modular synthesizers. How did you decide that this sound would define what the album would become?
Joon: The constantly recorded field recordings, like Jonas Mekas‘ camera, has the ability to capture sonic information from the surroundings that one couldn’t be conscious of in context with all five senses. When relistening to the recordings, there are fragments and details that resonate much deeply than others that probably passed by us in person.
Selecting the part of the field recordings we want to use sets the sort of visual space linked with personal memories in the first process of composing. Then the synthesizers are the conscious additives to amplify the atmosphere of the conceived “space” or image, and to make it more musical. The sort of “adjectives” to flourish the raw and “factual” field recording.
Finally, the improvised noise is an attempt to express the unconscious. Turning knobs, an infinite amount of noise can be produced and in there fractions of a second compels us in ways we weren’t aware of. We keep turning knobs in the direction where it attracts the most and in the end the “improvised noise” really becomes an abstract crystallization of our musical language.
The area in musical language which one cannot express or explain with words. Just pure noise. Pure beautiful noise.
준: 요나스 메카스의 시각처럼 긴 호흡의 필드레코딩은 오감을 통해 의식하지 못했던 주변의 음향 정보를 포착한다. 녹음을 다시 들어보면 현장에서보다 훨씬 더 깊은 울림을 주는 파편과 디테일을 발견할 때가 있다. 필드레코딩에서 사용할 부분을 선택하면, 컴포지션의 첫 번째 과정에서 개인적인 기억과 연결된 일종의 시각적 공간이 확보된다. 신디사이저는 구상된 ‘공간’ 또는 이미지의 분위기를 증폭시키고 더 음악적으로 만들기 위한 의식적인 첨가제 역할을 한다. 날것 그대로의 ‘사실적인’ 현장 녹음을 더욱 돋보이게 하는 일종의 ‘형용사’인 셈이다. 마지막으로 즉흥적인 소음은 무의식을 표현하기 위한 시도이다. 노브를 돌리면 무한한 양의 노이즈가 생성될 수 있고, 그 안에서 우리가 의식하지 못했던 방식으로 우리를 사로잡는다. 가장 끌리는 방향으로 노브를 계속 돌리면 마지막에는 ‘즉흥적인 소음’이 음악적 언어의 추상적인 결정체가 된다. 말로 표현하거나 설명할 수 없는 음악적 언어의 영역. 그냥 순수한 소음. 순수하고 아름다운 소음.
Being artists that consider audio and visual, is there a specific type of inspiration that starts the creation process? Is it a natural organic start or is there a deliberate attempt to deconstruct and reform an idea?
Iver: Both of us are fluent in visual language and deeply attached to sound, and in the process of creation, neither element takes precedence over the other. Sometimes, creating an image immediately brings to mind a matching sound, or while playing around with sounds, we layer fragments together and say, “It would be fun to combine these video snippets.”
Since childhood, translating vivid imagery into writing, drawing, or music has been a natural part of our everyday lives, so the starting points for projects have always been present around us. Among those, when something feels like the one, we flesh it out, and that becomes the work.
이베: 우리 두 사람 모두 비주얼 언어에 유창하고 사운드에 대한 애착이 깊은 사람으로서, 창작 과정에서 어느 하나가 다른 것보다 앞서지 않는다. 이미지를 만들고 나서 어울리는 소리가 바로 떠오르거나, 소리를 가지고 놀다가 만들어진 조각들을 겹치며 “이런 영상 파편들을 붙여보면 재미있겠다”는 대화를 자주 한다. 어릴 적부터 떠오르는 심상을 글, 그림, 음악으로 옮기는 일이 일상에 자연스럽게 녹아있었기에 프로젝트의 시작점이 되는 실마리는 늘 주변에 있었던 것 같다. 그중 마음에 꽂혀 “이거다!” 싶은 것을 구체화하면 그것이 작업이 되어왔다.
there’s no wifi in the barn’s recordings are from Europe. Has there been a thought about attempting the same in other countries and cities? Or is there a specific type of environment or energy you’re searching for?
Iver: The project in Europe wasn’t something we had planned or set in motion beforehand. Rather, by fully immersing ourselves in the environment and the circumstances at the time, fragments that could eventually evolve into a project naturally gathered, which became the starting point.
The same applies to our first single, “distant dawn, dim.” Wherever we are, and whatever the environment we find ourselves in, we’re likely to continue working on capturing the unique sounds and colors of each place.
이베: 유럽에서의 프로젝트도 계획하거나 미리 진행한 것이 아니었고, 그때그때의 환경과 상황에 집중하며 즐기다 보니 자연스럽게 작업으로 발전할 만한 조각들이 모였던 것이 발단이 되었다. 첫 싱글인 “distant dawn, dim” 또한 마찬가지였다. 우리 두 사람은 어디에 있든, 어떤 환경에서든 기회가 주어지면 그 장소만의 독특한 소리와 색채를 담아내는 작업을 할 것 같다.
Personally, as a music fan and casual ambient and experimental listener, there’s no wifi in the barn presents itself as a time capture. As the artist, is there a specific message or experience you want a listener to have?
Iver: The attempt to capture the visual and sound moments at Hosanger in the way of d³ was manifested in various forms under the title “there’s no wifi in the barn.” In the process, it naturally seems to contain the passage of time we experienced. Since it was impossible to directly reproduce what we saw and heard on-site, we worked with the hope that the listener would be able to receive the synesthetic beauty and moments we felt through our eyes and ears.
Looking back, orchestral music has occupied most of my life. When I listened to large-scale symphonies and concertos by Mahler, Rachmaninov, Bruckner, Sibelius, and others all day long in my teenage years, I often thought about how the flow from the first movement to the fourth movement was structured like a long story, much like a film.
I’ve also experienced how the music that has filled my life since childhood has grown and intertwined around me, becoming like a second world or cocoon that I can dwell in. While working on this album, I came to realize that the music I listened to the most has naturally influenced the music I create.
Joon: My father being a huge record collector, I grew up in a household where music was always being played. Music was naturally the first form of art I became conscious of and gotten attached to. As I got older, the habit of constantly listening to music grew to the point where every awaking moment I would have to have something on. From a certain point, listening to music in the hypnagogic state right before submerging into sleep provided profound artistic experiences.
Music became something completely different. Synesthetic experiences gave a wholly different approach to the act of listening and an intensive focused “analyzation” different from a lucid state could only be achieved in the hypnogogic state. Falling asleep focused on music is something I do even today.
It is certainly one of my favorite part of a day. That transitionary state where nothing but the music matters. I hope everyone who listens to this album can also experience it while falling asleep. Half jokingly, a part of me wishes the ambient elements in the album is boring enough for the listener to doze off to.
이베: 호상에르에서의 시각적, 사운드적 순간을 d³의 방식으로 포착하고자 했던 시도가 “there’s no wifi in the barn”라는 제목 안에서 다양한 형태로 구현되었다. 그 과정에서 자연스럽게 우리가 경험한 시간의 흐름이 담긴 것 같다. 현장에서 우리가 보고 듣는 것을 그대로 재현하는 것은 불가능했기 때문에, 우리는 감상자가 우리가 느낀 공감각적인 아름다움과 순간을 우리의 눈과 귀를 통해 전달받을 수 있기를 바라는 마음으로 작업했다.
돌이켜보면, 지금까지 내 삶의 대부분을 차지한 음악은 관현악이었다. 10대 시절, 하루 종일 듣던 말러, 라흐마니노프, 브루크너, 시벨리우스 등의 대편성 교향곡과 협주곡들을 들을 때면, 1악장에서 4악장까지 흐르는 그 음악의 진행이 마치 영화처럼 하나의 긴 이야기로 짜임새 있게 구성되어 있다는 생각을 자주 했다. 어린 시절부터 내 삶을 채웠던 음악이 주변에서 자라나고 얽히면서 마치 내가 머물 수 있는 제2의 세계나 고치처럼 느껴지는 것을 자주 경험했다. 이번 앨범을 작업하면서, 내가 많이 들었던 음악들이 자연스럽게 내 음악에도 영향을 끼친 것 같다는 생각을 하게 되었다.
준: 열렬한 음반 수집가였던 아버지 덕분에 항상 음악이 흘러나오는 집안에서 자랐다. 자연스럽게 음악은 제가 가장 먼저 의식하고 애착을 갖게 된 예술의 한 형태였다. 나이가 들면서 음악을 끊임없이 듣는 습관은 깨어 있는 모든 순간에 음악을 틀어놓지 않으면 안 될 정도로 커졌다. 어느 순간부터 잠들기 직전에 최면 상태에서 음악을 들으면 깊은 예술적 경험을 할 수 있었다. 음악은 완전히 다른 무언가가 되었다. 공감각적 경험은 듣는 행위에 완전히 다른 접근 방식을 제공했고, 최면 상태에서는 자각 상태와는 다른 집중적인 ‘분석’이 최면 상태에서만 이루어질 수 있었다. 음악에 집중하며 잠드는 것은 지금도 하루 중 내가 가장 좋아하는 시간 중 하나다. 오직 음악만이 중요한 그 과도기적 상태. 이 앨범을 듣는 모든 분들도 잠들면서 그런 경험을 할 수 있었으면 좋겠다. 농담 반 진담 반으로 앨범의 앰비언트 요소들이 듣는 사람이 졸 수 있을 정도로 지루했으면 좋겠다는 생각도 든다.
Are there ideas of the next release? Will each release exist as a standalone story or is there a developing narrative for all of deep drone dreamer’s releases?
Joon: Well, at first, we hope the soundscape itself is enough to convey a narrative. The sort of “it” sound each timeless artists have that transports the listener into a different world. A world so foreign that one cannot help but be immersed and intrigued. I think both of our favorite artists have that quality to them.
Also, further down the road with much more projects out, when the listener listens to them in order, we hope the progression of our expressive language can tell another narrative. Perhaps a narrative about the natural and overpowering human urge for self-expression and passion for creation.
준: 처음에는 그 자체로 사운드스케이프가 이야기를 전달할 수 있기를 바란다. 각 시대를 초월한 예술가들이 가진 그 “특유의” 소리, 그 소리가 청중을 다른 세계로 인도하는 것이다. 너무 이질적인 세계여서 누구든지 그 안에 몰입하고 매료될 수밖에 없는. 우리 둘이 좋아하는 예술가들도 그런 특성을 가지고 있다고 생각한다.
또한 앞으로 훨씬 더 많은 프로젝트가 출시되면 청취자가 순서대로 듣다 보면 우리의 표현 언어가 또 다른 이야기를 들려줄 수 있기를 바란다. 아마도 자기 표현에 대한 인간의 자연스럽고 압도적인 충동과 창작에 대한 열정에 대한 이야기일 것이다.
deep drone dreamer is a duo, but both of you have solo work. Is there an overlap of music worlds or are you keeping boundaries between solo and duo work?
Iver: Joon and I share a similar essence in many ways, but we also have distinct differences in many aspects. Even in our approach to work, I tend to prefer a controlled and planned method, while Joon leans toward an impromptu and free-flowing atmosphere.
While there’s definitely a need for clear guidelines in our work, when a completely new spark of inspiration is needed, I always ask for Joon’s opinion. When Joon’s ideas are scattered here and there, I help shape them into a coherent form (probably, haha). As we work together, we’ve started to resemble each other; I’ve become more flexible depending on the environment, and Joon, at times, seems to have become more intentional and organized as well.
Though we share the same core pursuit, I believe that by staying open to each other’s entirely different approaches, a unique puzzle that only d³ can create comes to life.
Joon: I also got a solo project under the name June In Woe where I play solo acoustic guitar. New album out in 2025.
Iver: Working on an audiovisual film with experimental drone/ambient sound tracks … Might want to release an album too.
이베: 준과 나는 많은 부분에서 비슷한 결을 공유하지만, 또 다른 부분에서는 뚜렷한 차별점을 가진다고 항상 생각한다. 작업 방식에서도 나는 통제되고 계획적인 방식을 선호하지만, 준은 즉흥적이고 자유로운 분위기를 좋아한다. 작업에는 분명히 주어진 가이드라인이 필요하지만, 때로 완전히 새로운 아이디어가 필요할 때는 준에게 항상 의견을 묻는다. 준도 아이디어가 여기저기 흩어져 있을 때, 그것을 작업의 형태로 다듬어 가는 데 (아마도 ㅎㅎ) 내가 도움을 준다. 같이 작업을 하다보니 서로를 닮게 되어서 나도 환경에 따라 유연하게, 준도 때로는 보다 계획적으로 바뀐 것 같기도 하다. 우리가 추구하는 본질은 분명히 같지만, 서로가 가진 완전히 다른 방식에 마음을 열기 때문에, 세상에 하나뿐인 d³만의 특별한 퍼즐이 만들어진다고 믿는다.
준: 솔로 어쿠스틱 기타를 연주하는 ”June In Woe”라는 이름의 솔로 프로젝트도 진행 중이고요… 새 앨범도 준비 중입니다.
이베: 오디오비주얼 영화를 준비준이에요. 실험 드론/엠비언트 사운드트랙과 같이요. 아마 앨범도 내고 싶어요.
Anything to say to readers?
We’re doing an album listening party on Feb 8th. The entire album will be showcased with 4DSOUND technology along with the short film made for the album. The party will include DJ sets and live sets by fellow musicians milk of the sun (Joon), Piano Shoegazer and guinneissik. The ticket link is in our Instagram page, we hope to see you there ! It’ll be a great time.
2월 8일에 앨범 리스닝 파티를 개최한다. 앨범을 위해 제작된 단편 영화와 함께 전체 앨범을 4DSOUND 기술로 선보일 예정이다. 파티에는 milk of the sun(Joon), Guinneissik의 DJ 세트와 Piano Shoegazer의 라이브 공연이 펼쳐질 예정이다. 티켓 링크는 인스타그램 페이지에서 확인하실 수 있다.
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Chris P
Korean Indie owner and Editor at Large. Constantly looking for new music and working on library parity on Spotify and YouTube Music.